Salvador Miqueri

El canta autor Salvador Miqueri nace en la localidad de Mburucuyá, provincia de Corrientes, el 15 de diciembre de 1926, y desde muy joven aprende intuitivamente la ejecución

de la guitarra. Al referirnos a Miqueri se hace necesario mencionar su triple condición de poeta, compositor de melodías e intérprete chamamecero. Pero lo que deseamos destacar es su carácter de creador de un estilo musical que llena toda una época y que trasciende hasta hoy por su calidad melódica y poética, que es en verdad, una renovación dentro del ámbito de la música correntina. Sus primeros pasos musicales los realiza con el “Trío Pasionaria”, junto al bandoneón de su primo Tito Miqueri en 1948-1949. Posteriormente se integra al conjunto del bandoneonista Eustaquio Miño y “Los gauchos de Mburucuyá”, donde se encuentra con Eustaquio “Nene” Vera, cantor y guitarrero y conforman el dúo de voces que los conducirá a una fama singular. Esto ocurre en 1950. Luego, ya conformado el Dúo Vera-Lucero y pasan a integrar el conjunto de Tránsito Cocomarola a partir de marzo de 1951. Allí se cumple una etapa discográfica y de múltiples actuaciones por todo el país con un éxito realmente inusitado. Con Cocomarola, el dúo alcanza un nivel de popularidad extraordinario. Actúan hasta el año 1956. Ídolos indiscutibles del cancionero correntino se desvinculan de Cocomarola e inician la formación de su propia agrupación musical. Primero con “Tito” Miqueri en bandoneón, Fortunato Fernández en acordeón y el Dúo Vera-Lucero en voces y guitarras. Graban en 1958 en el sello discográfico “T.K”. En el año 1960 se incorporan Norberto Gómez en acordeón y un año más tarde Avelino Flores en bandoneón. Cuando Arcadio Argentino Flores reemplaza en acordeón a Gómez graban en el sello Odeon discos de larga duración que son el testimonio de una “época dorada” del chamamé, donde reúnen sus más aclamados éxitos. Esto ocurría en el año 1963, pero paulatinamente dejan de grabar y actuar. Un silencio musical se extiende desde 1964 hasta 1969, año en que aquel dúo “Vera-Lucero” integra nuevamente el conjunto de Cocomarola, actuando en Buenos Aires y algunos centros bailables de varias provincias, pero lamentablemente no llegan a grabar. Diez años después, en 1979, reaparece el “Dúo Vera-Lucero”, junto a Avelino Flores en bandoneón y Manuel Zbinden en acordeón actúan y graban un disco de larga duración titulado “Mi última Flor” en el año 1981. Fue la última grabación del dúo, pues Eustaquio Vera fallece tiempo después. Pero la producción musical de salvador Miqueri continúa y con el conjunto, que comparte en la dirección musical don Avelino Flores, vuelven a dejar algunas placas discográficas, tales como “Solo Rumores” y al cumplir 40 años de actuación artística un trabajo titulado “Sin rencores ni reproches”, donde continúa el bandoneón de Avelino Flores y Manuel Zbinden en acordeón pero se incorpora la voz de su hijo Gustavo Miqueri, digno heredero de un virtuosismo vocal de gran calidad. Más de 45 años de actuación con los “Grandes” del Chamamé: Eustaquio Miño, Tránsito Cocomarola, Avelino Flores, entre otros, nos permite señalar que en su trayectoria artística salvador Miqueri fue abriendo nuevos caminos en la música tradicional correntina. Nuevos caminos como autor, canalizando una vena poética con un inédito lenguaje que es una escuela por su originalidad y su romanticismo. Como compositor, sus melodías son también de una renovación, que aun pasando el tiempo mantienen su frescura e intangible vigencia. Como intérprete, conforma un “Dúo “ de voces con Vera, que merece el reconocimiento del pueblo por representar una modalidad típica y genuina del cantar correntino. Voces de una inconfundible tesitura y timbre sonoro. Fue un paradigma musical que representa, sin lugar a dudas, la renovación de esa raíz auténtica de nuestro chamamé.

Su tarea como cantautor se extendió hasta unos días antes de su muerte, por lo que fue una figura muy venerada por el público y sus seguidores, siendo catalogado a principios del siglo XXI, como el último "Patriarca del Chamamé". Falleció el 20 de agosto de 2013 en la Ciudad de Corrientes a los 86 años, mientras permanecía internado en un Centro Médico. Su última actuación fue cuatro días antes, el 16 de agosto de 2013, cuando participó de los actos de homenaje por el aniversario de Mburucuyá, su ciudad natal.

 

María Helena

María Helena nombre artístico de María Kalasakis, (n. 4 de

agosto de 1946 en Remedios Escalada, Buenos Aires - † 17 de diciembre de 1969 en Santo Tomé, Corrientes, Argentina) fue una cantante argentina. Para crear su nombre artístico agregó al suyo el nombre de su hermana Elena, que modificó en homenaje a Grecia, país de donde provenía su padre.

Surgió como cantante durante el apogeo de la música del Litoral, a mediados de la década de los años 1960. Fue descubierta por el productor televisivo Roberto Galán, quien la invitó a actuar en Canal 9, y luego lo hizo en Radio El Mundo. El sello CBS Columbia la contrató para grabar su primer disco con los temas Ribereña y Canto islero.
En el III Festival Nacional de la Música del Litoral de Posadas, Misiones (1965) fue consagrada como "Revelación", y en el VI Festival Nacional de la Música del Litoral, en la misma ciudad (1968), fue ovacionada por el público que la bautizó La novia de Posadas.
Su repertorio incluyó temas de autores de la talla de Fermín Fierro, Ramón Ayala ("El Mensú"), Hernán Figueroa Reyes, Oscar Valles, Albérico Mansilla, Horacio Guarany, Eladia Blázquez, José Vicente Cidade, entre otros. Sus interpretaciones más exitosas han sido Mi serenata, Soy de Misiones, Sol del Litoral, Correntina de ley, Corrientes es así, Lucerito alba, Galopera, No quisiera quererte y Canción del adiós.
En sus actuaciones y grabaciones fue acompañada por figuras como Carlos Vallejos, Luis Ferreira ("Juan Payé"), Papi Barboza, Ricardo Ojeda, José Carli, Oscar Cardozo Ocampo, Waldo Belloso y Rubén Duran.
Su última actuación fue en el VI Festival del Folclore Correntino, en Santo Tomé. Pocos días después falleció trágicamente en un accidente automovilístico producido a 35 kilómetros de esa ciudad, el 17 de diciembre de 1969.

 

HUGO DUVAL

Cantor
(13 de diciembre de 1928 - 22 de agosto de 2003)
Nombre verdadero: Luciano Hugo Giurbino

Este cantor nacido en Buenos Aires, fue dueño de una bella

voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro Rodolfo Biagi con quien realizó sus más rutilantes éxitos.
Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro Eduardo Bonessi, quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.
A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados "números vivos". Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.
Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista Raúl Kaplún, quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven Roberto Goyeneche. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.
Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de Rodolfo Biagi, los cantores Alberto Amor y Carlos Saavedra, quienes fueron reemplazados por Carlos Heredia que había estado con Gobbi y por Hugo Duval, ya con su nombre artístico.
El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con Carlos Heredia, con el vals de Feliciano Brunelli y Lito Bayardo "Serenata campera". Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.
Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue "Bailarina de tango", al que le siguieron: "Sangre de mi sangre", "Triste comedia", "Santa milonguita" y el vals "Adoración".
En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental "Organito de la tarde" y, con la voz de Duval, "Alguien".
A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals "Ramona" y el tango "El carrerito". Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: "Esperame en el cielo", "Como un cuento", "Mi alondra" y "Andrajos".
Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor Carlos Almagro y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de "Mariposita".
En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.
Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el conjunto "Don Rodolfo", evocativo del gran "Manos Brujas".
Como dice Jorge Palacio, Hugo Duval y Jorge Ortiz fueron las voces emblemáticas de Rodolfo Biagi. Además, fueron los que más temas grabaron con él.
La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, don Osvaldo Castillón, el 7 de septiembre de 1980, en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en Ramos Mejía.

LIBERTAD LAMARQUE

Cancionista y actriz
(24 de noviembre de 1908 - 12 de diciembre 2000) 


Pequeña de estatura, aunque de físico robusto y figura atrayente, delicada sonrisa y expresividad en la mirada.Timbre de voz agudo, incluso para su registro de soprano, quizás no apropiado para el tango, supera esa aparente dificultad con un enorme caudal de su voz, el fuerte temperamento que le imprimía y una emotividad permanente sumado a una perfecta afinación para decir la letra y acompañar la melodía.

En la primera parte de su vida una serie de hechos significativos se sucedieron vertiginosamente, como para pensar que un sino trágico la acechaba.

Nació en la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe, el 24 de noviembre de 1908 y a los dieciocho años ya había debutado profesionalmente en el teatro, en la radio, grabado su primer disco, se había casado y tenido a su única hija y estaba a punto de separarse de su marido. Pero luego, y hasta el día de hoy, su vida se caracterizaría por el permanente trabajo y una serie interminable de éxitos.

Su padre Gaudencio Lamarque, hijo de franceses se casó con una viuda con seis hijos, de esa unión nació Libertad. En la casa se escuchaba música, se leía, circulaban ideas políticas y tendencias artísticas. Siendo aún niña, y junto a sus hermanos, ya participa en compañías filodramáticas, ya que su padre, de convicciones anarquistas, no deja de expresar sus ideas a través de pequeñas obras teatrales que representan entusiastas activistas gremiales.

La niña Libertad comenzó a experimentar el hecho de ser reconocida y halagada por la gente, pues en años sucesivos para los bailes de carnaval, fue premiada por sus disfraces, en los que intervenían su padre como hojalatero y su madre para adornar las invenciones de su esposo.

Participó en giras recorriendo ciudades cercanas y muchas veces cantaba en sus actuaciones. El aplauso obtenido la llevó a memorizar canciones de moda y devino en cancionista de esas representaciones.

Ya en 1926 sus padres están de acuerdo en que debe tentar suerte en Buenos Aires. No sólo la acompañan sino que el comercio de hojalatería es trasladado también. Se mudan a Buenos Aires instalándose en la calle Paraná 258.

Llevan una carta de presentación de un periodista rosarino para el dueño del famoso teatro Nacional, don Pascual Carcavallo. Siendo ya una muchacha, la pequeña y simpática figura de Libertad fue aceptada para el coro y algún pequeño papelito. Obtuvo trabajo por un año y 300 pesos mensuales de sueldo.

El trabajo fue continuo, hasta que en 1926 debutó en una obra del género chico –sainete- integrando un trío vocal con las actrices Olinda Bozán y Antonia Volpe, siendo acompañados por Rafael Iriarte con su guitarra. La obra era "La muchacha de Montmartre" de José Saldías.

Su primera interpretación cantando fue "Tanita de la proa", vestida de marinero junto a la actriz cómica Olinda Bozán (que grabara algunos temas acompañada por Francisco Canaro). El "patrón" se sorprendió al escucharla y le propuso aparecer en el "fin de fiesta" cantando el tango "Mocosita", que a la semana fue reemplazado por "Tatuaje" y luego por "Pato", "La cumparsita", "Langosta", "El ciruja".

Poco más de dos meses habían pasado y debuta en radio Prieto y enseguida sello Víctor la contrata a 150 pesos por disco, por lo menos debe grabar uno por mes y en treinta días le aumentan a 300 pesos. Su primer disco, el 26 de septiembre de 1926, un estilo “Gaucho sol” (de Santiago Rocca y Atilio Supparo) y una tonada “Chilenito”(de Agustín Irusta). Las grabaciones se suceden ininterrumpidamente, sólo hay un intervalo entre 1934 y 1936.

En esa época se casó con un apuntador del teatro, Emilio Romero, con quien tuvo una hija que nació en 1928. Muy pronto comprende el error de esta unión y tardaría doce años en concretar el divorcio, no legalizado entonces, formando nueva y definitiva unión con el pianista Alfredo Malerba.

En 1929 interviene en un sainete de Alberto Vaccarezza, "El conventillo de la Paloma", que tiene un éxito notable. Interpretaba el papel de una muchacha a la que llaman "Doce pesos". El citado "conventillo" (así se llamaban las amplias casas de inquilinato con numerosas habitaciones separadas por varios patios, donde convivían personas de distinto origen, en especial inmigrantes de distintas partes de Europa) existió realmente en el barrio porteño de Villa Crespo.

Cuando tras dos años de representación, al cumplirse sus 1000 presencias, se retira del elenco para no malograr su carrera de cancionista. Entonces emprende una larga gira por diversas provincias del país y la vecina república del Paraguay. La acompañan tres guitarristas: Gregorio Rivero, Ángel Las Heras y Nicolás Ferrari.

Sus grabaciones son un éxitos y sus discos están en todas partes.

Participa de un concurso de cancionistas en un festival realizado en el Teatro Colón cantando los tangos "La cumparsita" y "Taconeando" (de Pedro Maffia y Horacio Staffolani), obtiene el primer premio y es nombrada la "Reina del Tango". El segundo premio lo logra Rosita Montemar (la primera en registrar el tango "Recuerdo", de Pugliese y Eduardo Moreno) y el tercer puesto fue para Fedora Cabral.

Ya era la primera figura femenina del tango.

En 1933 forma parte del elenco de "Tango", que es considerada la primera película sonora argentina. Aunque su debut en el cine se produjo en 1929 en un mediometraje nunca estrenado donde interpreta el tango "Caminito". El título del frustrado film fue "Adiós Argentina" y que dirigió sólo en un día, el italiano Mario Parpagnoli.

El año 1935 presenta momentos difíciles en la vida de para Libertad. Primero un supuesto intento de suicidio, estando de gira en Chile, donde se habría arrojado por la ventana de su hotel y un toldo detendría su caída. Luego su marido "rapta" a su hija y se traslada con ella a la vecina república del Uruguay. Libertad, a través de un operativo comando, ayudada y acompañada por varios amigos (su nueva pareja Alfredo Malerba, el músico Héctor María Artola y otros) y un abogado, marchan hacia Montevideo con el fin de recuperar a su hija. Finalmente consigue la restitución y su vida continúa ya sin tales sobresaltos.

Continua su exitosa actividad artística actuando en importantes obras musicales, como por ejemplo "Tres valses", una adaptación de la opereta de Strauss (en el elenco figura la cancionista Choly Mur, hija de Tania, fallecida muy joven en Chile).

Se destaca también en el cine, por cada película cobra la inusual cifra, para entonces, de 95000 pesos. Más de veinte películas filma en la Argentina, algunos títulos: "El alma del bandoneón", "Ayúdame a vivir", "Besos brujos", "La ley que olvidaron", "Madreselva", "Puerta cerrada", "Caminito de la gloria", "La casa del recuerdo", "Cita en la frontera", "Una vez en la vida", "Yo conocí a esa mujer", "En el viejo Buenos Aires", "Eclipse de sol", "El fin de la noche", "La cabalgata del circo" y muchas más. En la última citada se produce una discusión entre Libertad y la actriz de reparto Eva Duarte, ya vinculada al presidente Juan Perón, surgen dificultades para la continuación de su carrera y emigra a México.

Una nueva etapa de éxitos la espera.

Su vinculación con ese país es tan intensa que hasta la actualidad ha seguido ligada y realizando trabajos, principalmente en presentaciones en telenovelas y cine, pese a lo avanzado de su edad.

Sus actuaciones cinematográficas van dejando en un plano secundario su rol de cancionista para transformarse en actriz dramática. Su debut en México se produce en 1947 dirigida por Luis Buñuel, en "Gran Casino". Filma más de 40 títulos, algunos de los directores famosos que allí la dirigieron fueron: Roberto Gavaldón, Tito Davison y el "Indio" Emilio Fernández.

Sus retornos a Buenos Aires se sucedieron a partir de 1955 ya ausente del poder el general Perón. Relatar su itinerario resultaría arduo y fatigoso.

En la Argentina grabó alrededor de 241 temas (podrían existir algunos más). Fue acompañada por guitarras en un comienzo, luego por la orquesta de su marido, Alfredo Malerba. También por la de Mario Maurano, Héctor Stamponi, Víctor Buchino, por Juan D´Arienzo en dos temas, por la orquesta de Lucio Milena y por la de Tito Ribero.

En Cuba graba cuatro temas, dos en España a dúo con Joselito. En México ha podido identificarse 183 grabaciones, acompañada por los conjuntos locales de Ruiz Armengol, Chucho Zarzosa, Raúl Lavista, Chucho Ferrer y otros. Hizo dúos con Pedro Vargas, Miguel Aceves Mejía y en una oportunidad con su hija Mirta.

Sus más de 400 registros discográficos constituyen una cifra no alcanzada por ninguna otra cancionista argentina y nos da una idea de la importancia de su arte dentro del mundo tanguero y de nuestra cultura.

ARMANDO LABORDE

Cantor
(27 de abril de 1922 – 12 de diciembre de 1996)

Nombre real: José Atilio Dattoli

El estilo de la orquesta de Juan D'Arienzo tuvo sus adeptos en gran parte de la comunidad tanguera, de modo especial entre los fanáticos del baile, quienes se entusiasmaban por su ritmo picado y veloz.

También hubo quienes lo escucharon con indiferencia, gustosos de orquestas más musicales, mejor elaboradas y con otro tipo de repertorio. Pero nadie dudó en aquel tiempo, año 1935 en adelante, que gracias a su aparición el tango volvió a ocupar una posición privilegiada en un momento en que la música norteamericana estaba prevaleciendo.

Músicos con una concepción moderna del tango, alejados estilísticamente de D'Arienzo, no dejan de reconocer que para el resurgimiento del género, hoy se necesitaría la aparición de un nuevo D'Arienzo. Dicho esto como un ejemplo, como una expresión de deseos, ya que las circunstancias son muy distintas.

A partir de 1940, D'Arienzo tuvo dos cantores emblemáticos.Uno fue Alberto Echagüe, con un repertorio profundamente dramático, por momentos rozando lo ridículo y, en otros casos, humorístico y arrabalero.

El otro, Armando Laborde, un excelente cantor de grandes condiciones innatas, afinado y con un timbre agradable, del que muchos se han preguntado qué hubiera pasado si este hubiera intervenido en otras orquestas, más elaboradas y de ritmo más pausado. Pero lo cierto es que el ritmo de D'Arienzo lo atrapó y en esto tuvo mucho que ver el éxito de la orquesta y la buena paga. Hasta tal punto que en dos oportunidades se retiró para buscar otros rumbos y regresó. Sus retornos a la orquesta fueron acogidos con beneplácito ya que cantor y director se necesitaban mutuamente.

Alguna vez el cantor confesó: «Juan te mataba, a la velocidad que tocaba no había garganta que aguantase».

Su labor en la sala de grabación se extendió durante cuarenta años, desde su debut en el disco el 26 de diciembre de 1944 con los temas "Magdala" y "Color de cielo", hasta 1984, cuando acompañado por la orquesta del bandoneonista Alberto Di Paulo realiza diez temas para el sello Magenta, que nada agregan a su carrera, reiterando algunos éxitos de otrora y con la única novedad de "Malena".

No dejó nunca de ser un muchacho de barrio, tanto en su forma de expresarse como en sus pensamientos sencillos pero acertados.

En un largo reportaje que le hice me dijo: «Nací como José Atilio Dattoli, el 27 de abril de 1922, aunque legalmente figuro como nacido el día 30, porque mi viejo, de oficio carnicero, se olvidó al inscribirme tres días más tarde, de la fecha, todo por causa de las carreras de caballos. Hice la escuela primaria, luego el secundario y sabía de contabilidad... Luego sí, hice lo mío, cantaba con pequeños conjuntos de mi barrio, Palermo. Hice varias pruebas en algunas radios con orquestas conocidas: Manuel Buzón, Ricardo Tanturi y Horacio Salgán, entre otras. Me llevaban los amigos, pero nunca me convocaron.»

«Hasta que un día mi amigo el compositor Alberto Tavarozzi me llama al café donde yo paraba con mis amigos para tomar una copa y jugar a las cartas después del trabajo. Me dice que lo convenció a Juan D'Arienzo para que me tomara una prueba, atento que el maestro andaba buscando una voz, por la renuncia del cantor Héctor Mauré. Me prestaron unos pesos para tomar un taxi y me fui corriendo a Radio El Mundo. Lo esperamos como dos horas a D'Arienzo pero este no vino, a esa altura del partido yo creí que era un cuento de Tavarozzi, quien muchas veces solía imaginar más de lo debido.

«Pero al otro día, a la tardecita, me vuelven a llamar, esta vez era la voz de D'Arienzo. Horas más tarde me tomó la prueba, canté como veinte tangos y me aceptó. Después me enteré que el director estaba en duda entre Carlos Bermúdez, ex cantor de la orquesta de Pedro Laurenz, y yo. Optaron por mi juventud, por mi buena pinta y que era desconocido.

«El maestro me dijo: "Se tiene que aprender dos temas, se va a la casa de Juancito Díaz (pianista) y ensayan hasta que los saque".»

«Era fin de año y casi sin tiempo para ensayar con la orquesta grabé mis dos primeros temas, me temblaban las piernas.»

Todo esto transcurría pocos días antes del viaje que D'Arienzo tenía proyectado al Uruguay para la temporada en el lujoso Hotel Carrasco de Montevideo. Respecto a esta gira Laborde, comentó: «Allí empezaron las notas periodísticas, todos querían saber quién era el nuevo cantor de D'Arienzo. Entre tantas preguntas, una metida de pata, fue cuando me preguntaron qué orquesta me gustaba y yo respondí “la de Aníbal Troilo”. A la noche D'Arienzo casi me mata y me gritó “a usted la única orquesta que le gusta es D'Arienzo”.»

Otra anécdota interesante fue la de su nombre artístico: «Fui por varios días “el cantor sin nombre”. A veces me ponía uno y al día siguiente lo cambiaba. Pero a raíz de mis grabaciones en Buenos Aires, el sello discográfico exigía un nombre definitivo para la etiqueta del disco, entonces ocurrió lo increíble. Una noche que regresábamos en el ómnibus, desde el Hotel Carrasco al centro de Montevideo, a D'Arienzo se le ocurre preguntarle al conductor cómo se llamaba:

«¿Yo señor D'Arienzo?»
«¡Sí, usted!”. Con ese vozarrón tan ronco, tan suyo.»
«Yo me llamo Armando Laborde.»
«Ya está, ese es tu nombre.»
«Y así nació mi nombre artístico.»

Volviendo a su discografía junto a D'Arienzo con quien grabó 145 temas quiero destacar "Con alma de tango", de D'Arienzo y Carlos Waiss, "Desde aquella noche", de Fulvio Salamanca y Carlos Bahr, y "Una y mil noches", de Alberto San Miguel, Oreste Cufaro y Carlos Bahr. Todos de la primera etapa con el maestro.

Luego continúa con Héctor Varela con quien graba 24 temas, de los cuales sobresale "Noches de cabaret", de Alberto San Miguel y Antonio Fiasche.

En 1952 vuelve a la orquesta de D'Arienzo con un éxito entre otros: "El vino triste", de D'Arienzo y Manuel Romero.

En 1957 forma un rubro con el cantor Alberto Echagüe secundados por la orquesta dirigida por Alberto Di Paulo, grabando cuatro temas, y en 1959 regresa con Héctor Varela.

En 1964 retorna por segunda vez a la orquesta de D'Arienzo, en la que permanece hasta 1974, grabando uno de sus máximos éxitos, "Yuyo brujo", de Héctor Varela, Benjamín García y Carlos Bahr.

Sin duda, Armando Laborde fue un cantor admirado por los degustadores del mejor tango, su éxito se emparentó con el de D'Arienzo, pero paradójicamente, sus dotes artísticas no fueron aprovechadas en la medida de sus merecimientos

Norma Viola

Norma Viola, ciudadana ilustre de Buenos Aires y baluarte de

la cultura argentina.
Había nacido en la ciudad cordobesa de Laboulaye. Se va a Buenos Aires para cursar estudios de danza clásica y contemporánea. Llega a Nueva York, Brasil y otras ciudades latinoamericanss. Falleció el 12 de diciembre de 2005, de un paro cardiorrespiratorio en su casa del barrio de Villa Crespo.
Su nombre está ligado al de otra leyenda del folklore argentino, Santiago Ayala “El Chúcaro”, con quien compartió 40 años de trabajo a partir del momento en que se integró a su compañía como primera bailarina y asistente de coreografía, en 1954.
Ella negó alguna relación amorosa con su compañero. Siempre lo admiró y reconocía la influencia artística e intelectual en su vida.
“Siempre se pensó que con El Chúcaro teníamos una relación más allá de la danza, pero eso nunca existió. Fuimos grandes amigos, compañeros de labor y estábamos unidos por la magia del baile”, señaló en distintas oportunidades Viola. (declaraciones de 2002) “Lamentablemente en la Argentina se imponen siempre otras prioridades a las de la cultura. En estos doce años al frente del Ballet Folclórico he sentido que ha sido para los gobiernos casi una carga. Yo llevo 48 años en la danza folclórica argentina y puedo decir que la gente argentina tiene ese sentido de patria. Parece una palabra ridícula, decir patria, pero el sentido de la tierra, existe. La cultura popular, incluso ahora, existe”.
En 1973 la Viola obtuvo el máximo galardón del Festival de Cosquín, el principal encuentro folclórico argentino y desde julio de 1990 hasta la muerte de El Chúcaro en 1994, compartió con él la conducción del recién creado BNF.Este ballet es un gran proyecto de Santiago Ayala y Norma Viola, debido a que con el pudieron realizar coreografias con mayor cantidad de bailarines, en un ballet privado eso era imposible.
El Ballet de Santiago Ayala (El Chucaro) y Norma Viola actuó, en representación de la Argentina, en la fiesta inaugural del mundial de fútbol que se realizó en Alemania en 1974. En esta ocasión cada país tenía un representante de su cultura. El ballet interpretó un carnavalito, con la participación de Jaime Torres en el charango

 

CARLOS GARDEL

Cantor y compositor
(11 de diciembre de 1890 – 24 de junio de 1935)
Nombre verdadero: Charles Romuald Gardés
Apodos: El Morocho del Abasto, El Zorzal Criollo

Carlos Gardel nació en la ciudad de Toulouse, Francia, el 11 de diciembre de 1890. Hijo de padre desconocido y Berta Gardes, quien le dio su apellido, fue bautizado Charles Romuald Gardes. En 1893 su madre llegó a la Argentina con su pequeño hijo de poco más de dos años.
Su infancia transcurrió en los alrededores del Mercado de Abasto, su barrio por adopción, a partir de ese momento nace "El Morocho del Abasto".
Cursó sus estudios primarios en las escuelas San Carlos y San Estanislao y abandonó los mismos en el segundo año de secundaria, en 1906.
Su vocación era el canto y animado por el payador José Betinotti, quien lo bautizara "El Zorzal Criollo", comenzó a cantar en ruedas de comités (centros políticos) y fondas del Abasto.
Para la época del Centenario de la Revolución de Mayo (1910), era el número artístico del café O'Rondemann de los hermanos Traverso. En 1911 y junto a José Razzano, cantor del café El Pelado del barrio de Balvanera, forma el dúo Gardel-Razzano que marcará toda una etapa de su vida artística.
En 1912 se agrega al dúo el guitarrista y cantor Francisco Martino. Este trío participa en los Festivales de la Casa Suiza de la calle Rodríguez Peña 254.
Tiempo más tarde Gardel es convocado por la Casa Tagini para grabar sus primeros discos marca Columbia Record. En ese entonces, su repertorio no contenía tangos, sino canciones folklóricas.
En 1913 el trío se agranda y se convierte en cuarteto sumando al cantor Saúl Salinas y salen de gira por el interior de la provincia de Buenos Aires. Al alejarse el recién llegado Salinas siguieron bajo el rótulo de Terceto Nacional y en diciembre de 1913, se desvincula Martino, y queda conformado definitivamente el "Dúo Nacional Gardel-Razzano". En diciembre de ese año debutan en el prestigioso Cabaret-Restaurant Armenonville, cantando canciones criollas.
El 8 de enero de 1914 el dúo debuta en el Teatro Nacional de Buenos Aires y a partir de entonces comienzan a cantar en todos los teatros porteños, haciendo giras a las principales ciudades argentinas, Rosario, Santa Fe y Córdoba.
En 1915 debutan en la República Oriental del Uruguay, en el Teatro Royal de Montevideo, ese mismo año, emprenden una gira al Brasil y en ese viaje Gardel conoce a su gran ídolo, el tenor italiano Enrico Caruso.
A fines de 1915 Gardel sufre en un altercado un balazo en el pulmón que lo marginó un tiempo del canto. Esa bala la tendría alojada para toda la vida. En aquel entonces se suma al dúo el guitarrista José Ricardo, apodado El Negro.
En 1916, ya reestablecido, reanuda junto a Razzano su temporada en Mar del Plata. Al año siguiente decide cantar un tango en público, y así una noche en el Teatro Empire de Buenos Aires estrena "Mi noche triste" de Samuel Castriota y Pascual Contursi. A partir de entonces comenzará a incluir tangos a su repertorio.
El 9 de abril de 1917 la Casa Glücksmann los contrata para grabar. Es protagonista de un film mudo: "Flor de Durazno" y junto con Razzano inicia su primera gira a Chile.
De 1918 a 1922 el dúo trabaja intensamente en teatros de Buenos Aires, Montevideo y todas las ciudades del interior de la República Argentina. A partir de 1921 el dúo es acompañado por los guitarristas José Ricardo y Guillermo Desiderio Barbieri.
Para 1923, y ya con Gardel metido de lleno en el tango, inicia con Razzano, junto a la Compañía Rivera-De Rosas, una gira por Mar del Plata, Montevideo, Brasil y España, debutando en el Teatro Apolo de Madrid.
En 1924 vuelve a Buenos Aires y canta por Radio LOW Gran Splendid y graba por vez primera acompañado por la orquesta de Francisco Canaro y un año después lo haría acompañado por la orquesta de Osvaldo Fresedo.
En la ciudad santafesina de Rafaela el dúo canta por última vez. Y es a partir de 1925 que Gardel se convierte en solista, viajando a España junto a la Compañía Rivera-De Rosas. Debuta el 5 de noviembre de 1925 en el Teatro Goya de Barcelona, donde graba sus primeros discos con el sistema eléctrico.
A su regreso a Buenos Aires, hace su primera toma eléctrica en el país -el 8 de noviembre- cantando el pasodoble "Puñadito de sal".
En noviembre de 1927 viaja nuevamente a España y en enero del año siguiente canta en Radio Catalana y vuelve a grabar en Barcelona para luego recorrer toda España.
A mediados del año 1928 vuelve a Buenos Aires, sumándose a su conjunto acompañante el guitarrista uruguayo José María Aguilar.
Tras un breve paso por Buenos Aires y Montevideo viajan a Francia y debutan en el Teatro Fémina de París el 30 de septiembre de 1928.
En octubre debuta en el cabaret Florida de París, con formidable éxito y además graba discos.
En enero de 1929 realiza una breve tournee por Italia y el 5 de febrero ya de vuelta en Francia, actúa en la Opera de París, viajando luego a la Costa Azul donde triunfa rotundamente.
En marzo regresa a París y debuta en el Teatro Empire, dejando algunas grabaciones, luego viaja a España donde actúa en el Principal Palace de Barcelona y en el Teatro Avenida de Madrid, ciudad donde se desvincula del conjunto el guitarrista José Ricardo.
A mediados de 1929, regresa a Buenos Aires lleno de gloria junto a Barbieri y Aguilar.
Su éxito se desdobla en ambas orillas del Río de la Plata, graba discos y, en 1930, filma sus famosos cortometrajes sonoros.
En 1930 realiza un nuevo viaje a Francia actuando en el Empire de París y al año siguiente en el Palacio del Mediterráneo de Niza, junto a las guitarras de Barbieri y Riverol, sin Aguilar que había regresado a Buenos Aires. En marzo vuelve al Empire de París y luego pasa al Palace de París donde está varios meses.
Filma en Joinville, para la Paramount francesa la película "Luces de Buenos Aires".
Retorna a Sudamérica y tras breve paso por Buenos Aires y Montevideo parte otra vez a Europa sin sus guitarristas. Entre fines de 1931 y agosto de 1932 Gardel realiza giras por la Costa Azul, Italia, Londres, París, Viena, Berlín y Barcelona.
Entre septiembre y noviembre filma para la Paramount francesa "Esperame" y junto a Imperio Argentina "La casa es seria" y "Melodía de arrabal". Para estas películas comenzó a trabajar, junto a Gardel, Alfredo Le Pera y nacen sus primeros tangos juntos: "Melodía de arrabal", "Silencio", "Me da pena confesarlo", etcétera.
En 1933 vuelven a Buenos Aires y su conjunto de guitarras estaba integrado por Barbieri, Riverol, Vivas y Pettorossi, trabajan en Montevideo y en el interior de la Argentina y del Uruguay.
Esta será la última vez que su público lo vería.
Su última grabación en Buenos Aires fue el 6 de noviembre de 1933 cuando registra "Madame Ivonne" de Eduardo Pereyra y Enrique Cadícamo.

El 7 de noviembre se va para siempre. Nuevamente a Europa, donde tras un breve paso por Barcelona y París viaja a los Estados Unidos, para debutar en la cadena de radio más importante del mundo, la NBC de Nueva York, el 31 de diciembre del mismo año.

En 1934 con la colaboración de Alfredo Le Pera, en los argumentos, Gardel filma "Cuesta abajo", "Mi Buenos Aires querido" y "Tango en Broadway", para la Paramount de Nueva York.
Tras un breve viaje a Francia, a fines de 1934 vuelve a actuar en la NBC y a filmar, participando en el musical de la Paramount "Cazadores de estrellas" junto a Bing Crosby, Richard Tauber y Ray Noble entre otros grandes.
Entre enero y febrero de 1935 filma "El día que me quieras" y "Tango Bar" donde canta sus éxitos más recordados.
En abril, Gardel decide emprender una gira por Puerto Rico, Venezuela, Aruba, Curaçao, Colombia, Panamá, Cuba y México, pero el destino impidió que esta se completara por el trágico accidente aéreo de Medellín que terminó con su vida el 24 de junio de 1935