29 de Noviembre

1909 - Nace Héctor Francisco Gagliardi, en la Ciudad de Buenos Aires. Poeta, recitador y letrista de tango.
Conocido por sus poesías y textos en lunfardo. Fue probablemente el poeta que mayores ventas de libros alcanzó en la historia argentina, si se exceptúa el "Martin Fierro".
Nació en el Barrio de Constitución en la calle Lima al 900, viviendo durante su infancia y juventud en el Barrio de San Telmo y era hincha del Racing Club de Avellaneda.
Fue íntimo amigo del poeta Celedonio Flores ("el negro Cele"). Él lo impulsó a recitar sus versos en público, haciéndolo por primera vez en un bar de la cortada

Carabelas, centro nocturno tanguero por excelencia. Esa misma noche lo escuchó un productor y lo llevó a Radio Belgrano, donde recitaba sus poesías en el programa de Jabón Federal, alcanzando gran éxito popular.
Su apodo de “El Triste”, proviene de su debut, durante la Segunda Guerra Mundial, recitando su poema "Reyes magos", una emotiva composición sobre la guerra, los niños y los juguetes. Su primer poema fue "Media noche" al que Troilo puso música pero nunca lo grabó, pues el tango "Media noche" que registró Troilo es otro, compuesto por Eduardo Escaris Méndez y Alberto Tavarossi.
Obras: Abuelita - Adiós querido tranvía (con Leopoldo Federico) - Aquel beso (Héctor Baldi) - Buenos Aires (con Egle Lucia Martínez Furque) - Calle Corrientes - Carlos Gardel - Carreras son carreras - Cinco guitas - Claro de luna (con Aníbal Troilo) - Dios te bendiga mama (con Carlos Guillermo Dattoli) - El casamiento - El conscripto - El desalojo - El dotor - El fanático - El jubilado - El padre - El Rusito - El sapito - El ultimo cigarrillo - El vigilante - La calesita - La maestra - La piba de quince - Las comadres - Leguizamo (con Modesto Papavero) - Los Reyes Magos (con Osvaldo Francisco Requena) - Me llaman el triste - Me llamo Tango (con Aníbal Troilo) - Nació Buenos Aires (con Astor Piazzolla) - Pelota de treinta - Pichuco (con Aníbal Troilo) - Primer beso (con Carlos Testori y Pedro Noda) - Reyes Magos (con Salvador D'Alessandro) - Riachuelo (con Juan de Dios Filiberto) - Varón - Vencido (con Oreste Cufaro) - Vieja, entre otras.



1917 - Nace Isaac Abitbol, en la localidad de Alvear, Provincia de Corrientes. Músico bandoneonista y compositor de chamamé y música del litoral. Conocido como Isaco Abitbol, "El Patriarca del Chamamé".
En 1935 migra a Buenos Aires donde comienza su carrera artística integrando "Los hijos de Corrientes", agrupación dirigida musicalmente por Emilio Chamorro.
En 1942 se convierte en fundador junto a Ernesto Montiel (acordeón) del "Cuarteto Santa Ana", completando la formación los guitarristas Samuel Claus y Luis Ferreyra. Fue el primer conjunto de chamamé que alcanzó la fama masiva y se inició bajo el padrinazgo de Pedro Mendoza. El nombre fue tomado del campo de la madrina de Abitbol.
En 1951 abandonó el grupo y formó diversos grupos propios, con los más importantes músicos litoraleños.
En los años '70 formó el “Trío de Oro” con el bandoneonista Julio Lorman y el guitarrista y cantante Roberto Galarza.
Luego integró el Trio Pancho Cue con Antonio Niz en guitarra y Rubén Miño en acordeón.
Su discografía está compuesta de 21 álbumes con grupos propios más los que grabó con el Cuarteto Santa Ana. Compuso más de 150 canciones.
Obras: A Julio Micheli (con Nicolás Niz) - A mi amigo Hipólito (con Julio Lorman) - Alambre de púa (con Jacinto Acosta) - Alvear orilla (con Nicolás Niz) - Bodas de plata (con Ernesto Baffa) - Camba Falucho (con Ernesto Montiel) - Caraicho quero (con Roberto Galarza y Jacinto Acosta) - Clase 17 (con Julio Lorman y Bernardino Ramos) -

Correntinita (con Jacinto Acosta) - Correntino de ley (con Heraclio Pérez) - Don Chiru (con Ernesto Montiel) - Don Marcial (con Pedro Rodríguez de Ciervi) - El afligido (con Tarrago Ros y Ernesto Montiel) - El lamento - El malos - Estampa correntina (con Mario del Transito Cocomarola) - General Madariaga (con Ernesto Montiel) - Itatí rape (con Ramón Méndez) - Juancito el silbador (con Pedro Celestino Montenegro) - La bailanta (con Heraclio Pérez) - La calandria (con Hugo Sosa) - La patinada (con Blas Martínez Riera) - La taba (con Saturnino Díaz) - La última carrera - La yapa (con Antonio Giannantonio) - Mártires Gutiérrez (con Ernesto Montiel) - Mi deseo en flor (con Antolín Gómez) - Mi pueblito de Alvear - Ñatita (con Leopoldo Castillo y Ernesto Montiel) - Padrino Tito (con Ernesto Montiel) - Paraje Bandera Bajada (con Carlos Ricardo Rodríguez) - Puerto libre (con Samuel Claus) - Recuerdo de soledad (con Jorge Centurión) - Ricardo Pérez (con Luis Ferreyra) - Salomito (con Miguel Repiso) - Santa Ana - Serenata del amaneces (con Jacinto Acosta) - Siete higueras (con Mauricio Cardozo Ocampo y Eliseo Corrales) - Tita (con Miguel Repiso), entre otras. 

29 de Noviembre



1872

 
Se dicta la Libertad de Prensa santafesina 

 
La Legislatura dictó la ley referente a la libertad de prensa en la Provincia de Santa Fe.

 

 
1968

 
Se crea la Universidad Nacional de Rosario 

 
La Universidad Nacional de Rosario fue creada a través de la Ley 17.987, en plena dictadura del General Juan Carlos Onganía. Su estructura fundante fue un desprendimiento de la Universidad Nacional del Litoral de quien toma sus primeros organismos académicos y administrativos que en aquel entonces consistían en: las facultades de Ciencias Médicas, de Ciencias de la Ingeniería y de Arquitectura, de Ciencias Económicas, de Filosofía, de Derecho y Ciencias Políticas, de Odontología, de Ciencias Agrarias y los Hospitales-escuela y las escuelas secundarias que de ella dependían además del Instituto Superior de Música de Rosario.

Juan Sánchez Gorio 

 
Nombre real: Sánchez, Juan Gregorio
Bandoneonista, director y compositor
(28 noviembre 1920 - 29 julio 1979)
Lugar de nacimiento:
España

 

Nacido en España, sus padres Gregorio Sánchez y Aurora Fabieri lo llevaron a la Argentina en 1924, se radicaron en San Nicolás, provincia de Buenos Aires y, alrededor de 1930, fueron a residir a la ciudad de Buenos Aires.
Sánchez Gorio comenzó a aprender bandoneón en San Nicolás y siguió haciéndolo en Buenos Aires. A los 13 años formó un trío con Alejandro González y el pianista José Basso y, más adelante, se incorporó al conjunto que dirigía el violinista Alberto Pugliese, hermano de Osvaldo. En 1937 entró al conjunto del bandoneonista Alberto Cima y al año siguiente se incorporó como primer bandoneón a la orquesta Los Mendocinos, dirigida por Francisco Lauro, en la que ya estaban el pianista Alfredo De Angelis y el cantor Mario Landi y por la que había pasado por breve tiempo Astor Piazzolla antes de incorporarse a la orquesta de Aníbal Troilo.
En 1939 se desvinculó de Lauro y formó un conjunto con el pianista Bernardo Bas y la voz de Mario Landi, que duró un año. Al año siguiente formó su primera orquesta propia, a la que incorporó con el nombre artístico de Luis Mendoza al cantor Luis Bottini, que recién se había separado dela orquesta de José Tinelli. Debutaron en LR4 Radio Splendid y en julio de ese año pasaron a Radio Prieto ya con la presencia de Mario Landi como segundo cantor.

El estilo de la orquesta, con mucho ritmo y muy bailable hace que para 1943 había adquirido gran difusión y fue contratada por la discográfica RCA Victor, para la cual hace el 18 de agosto de 1944, con la voz de Luis Mendoza, la primera grabación con el tango Oriente, cuya música le pertenecía en tanto la letra era de Horacio Basterra y el vals de Alfredo Pelaia Claveles mendocinos, que obtuvieron un importante suceso en las ventas. El 4 de enero de 1945 grabó el instrumental de Francisco Canaro Milonga con variación y, con el cantor Mendoza, No me importa su amor, de José Dames y Enrique Cadícamo. En 1946 actuó en el Café Marzotto y en el Carnaval de 1947 animó los bailes del club Defensores de Santos Lugares.​
En 1948 ingresó a la orquesta el cantor Jorge Linares que se había desvinculao de la orquesta de Pedro Laurenz e hizo una exitosa gira por el país y por Uruguay. A fines de 1949, se incorporó el cantor Osvaldo Bazán, que venía de la orquesta de Emilio Balcarce, quien conformó con Mendoza uno de los binomios más populares de esos años. En 1951 el nuevo sello Orfeo, al que más adelante absorbió la CBS-Columbia lo contrató para grabar. Ese año registraron en el mes de septiembre el instrumental Rodríguez Peña y el vals de autoría de Sánchez Gorio y Mendoza con letra de Reinaldo Yiso Comodoro Rivadavia que cantaron a dúo Mendoza y Bazán y al año siguiente se produjo el mayor éxito discográfico de su carrera con el tango Gitana rusa cantado por Luis Mendoza que ya había sido objeto de grabaciones desde diez años antes por Osvaldo Fresedo con la voz de Oscar Serpa y por Ricardo Malerba con la de Orlando Medina. Dicha obra lleva su firma y la del poeta Horacio Sanguinetti y estuvo inspirada en la melodía de un músico judío de Ucrania, como lo revela Julio Nudler en su trabajo La gitana judía. Esta curiosidad, resalta la capacidad de Sánchez Gorio de convertir una musiquita campesina, en un tango de extraordinaria repercusión.El éxito del disco impulsó la grabación de una serie de temas, entre los que se recuerdan en especial la milonga del actor cómico Ubaldo Martínez, Cosas de borrachos , el tango Levantá la frente y, además de nuevas versiones de Oriente y Claveles mendocinos el bonito vals de Hilario Cuadros La monjita a dúo por Bazán y Mendoza. En los años siguientes continuó trabajando en radioemisoras y en confiterías bailables acompañado con una gran venta de discos. En 1957, tras una gira por Brasil, sus cantantes Luis Mendoza –tras 18 años con Gorio- y Osvaldo Bazán, se separaron amigablemente de la orquesta y fueron reemplazados por Julio Fontana y Raúl Ledesma, pero este último al poco tiempo se pasó a la orquesta de Miguel Caló dejando lugar a Roberto Mancini. Animó los bailes del Carnaval de 1959 del club Victoria de la provincia de Buenos Aires, con las voces de Osvaldo Bazán –que había retornado al conjunto-, Alberto Aguirre (Cholo) y Julio Fontana y todo ese año trabajó como artista exclusivo de LR1 Radio El Mundo y del cabaré El Avión de La Boca. Sus últimas actuaciones fueron en 1960 en el programa televisivo Ronda de ases, conducido por Héctor Larrea.

28 de Noviembre

 

1822

 
Muere en Morón (provincia de Buenos Aires), el poeta gauchesco Bartolomé Hidalgo
Elogiado por Mitre y Borges. Nació en Montevideo (República Oriental del Uruguay) el 24 de agosto de 1788.

 

                                         27 de Noviembre

1967 - Fallece Héctor Panizza, en Milán, Italia. Compositor y director de orquesta de trascendencia internacional y de origen argentino. Uno de los máximos directores de ópera de la primera mitad del siglo XX.

Estudió primero con su padre (chelista de la orquesta del Teatro Colón) y luego en el Conservatorio de Milán y debutó en Roma en 1897, dirigiendo luego por toda Italia, España y

Sudamérica.
Actuó en reiteradas oportunidades en el Teatro Colon y fue director del Teatro la Scala de Milán.
Como compositor escribió: La Trilogía del Medioevo italiano (con libro de Luigi Illica) - La ópera "Vizancio" y la ópera "Aurora" (con libreto de Luigi Illica y Héctor Quesada).
Se lo recuerda como el autor del "Saludo a la Bandera Argentina" extractado de su ópera "Aurora".

                                      26 de Noviembre

1969 – Fallece Rodolfo Lauro María Giménez o simplemente “Polo” Gimenez, en la Ciudad de Buenos Aires. Compositor, cantante y pianista. Cuando tenía 2 años de edad su familia se traslada a Córdoba, De adulto se radico en Catamarca, provincia con cuya cultura quedo identificado.
En la segunda mitad de la década de 1950, integro "Los Musiqueros del tiempo i ñaupa", con Gustavo Adolfo "Payo" Sola en bandoneón y Atuto Mercau Soria en guitarra, a los que se sumaron las voces de Pepe Consoli y Abel Figueroa. Este último también en guitarra.

Lo llamaron "el poeta de las cosas simples".
Falleció en los brazos de su hijo, en el local que Margarita Palacios tenía en Camacuá 267, conocido como la “Embajada de Catamarca en Buenos Aires”, durante el acto de celebración de sus 50 años con la música, en el momento que presentaba su álbum “Bodas de oro con la música popular Argentina” y su libro “De este lado del recuerdo”.
Obras: A Catamarca - Brochazos mendocinos - Cantale Chango a mi tierra (con Atuto Mercau Soria) - Del tiempo i mama - El Tata Cura (con Mario R. Ponce) - Mi pago puntano (con José Zabala) - Paisaje de Catamarca - Soy de la docta - Volvamos pa Catamarca (con Pedro Rodríguez de Ciervi) - Zambita del misachico, entre otras.



1983 – Nace Mariana Carrizo, en la localidad de Angastaco, Departamento San Carlos, Provincia de Salta. Bagualera y coplera.
Ejerce el canto más antiguo: el de la copla. Es bagualera desde que nació y siempre se impuso en festivales y encuentros donde el canto con caja tenía una marcada resistencia por no ser una expresión festivalera.
Desde sus primeros años se destacó por su participación en

los diferentes actos de su escuela primaria, entonando melodías autóctonas de la música popular Argentina.
Numerosos festivales la han ido consagrando hasta llegar al premio máximo para un artista folklórico que es el Premio “Consagración” de Cosquín, distinción que recibiera en el año 2004.
Para enriquecer su canto, que recrea los diferentes estilos de melodía trifónica, realiza varios estudios referentes al tema, volcando los mismos en charlas didácticas en diversos establecimientos educativos de las provincias. Cursa la carrera de canto en el Conservatorio de Música de la Provincia de Salta y estudios particulares en Canto Lírico. 



2013 – Fallece Hedgar Di Fulvio, en Ciudad de Córdoba. Poeta, cantor, guitarrero, compositor de origen cordobés.
Paralelamente a su trayectoria vinculada al arte, egresó de la Facultad de Medicina de la Universidad Nacional de Córdoba y desarrollo la especialidad de Pediatría ocupando diversos cargos directivos en instituciones médicas.
Fue un conocedor profundo del arte nativo en todas sus facetas y un eterno buceador de los misterios que dieron razón de ser a las cosas de su terruño.
Realizó numerosos trabajos de investigación sobre costumbres argentinas y algunos de sus textos alcanzaron reconocimiento internacional, como el llevado a cabo sobre el mate, que fue presentado en conferencia y posterior coloquio en la Universidad de Berkeley de EEUU.
Obras: A Don Edmundo Cartos – A Jesús María – A taco yago – Adiós Córdoba – Araucano – Canto al Paraná (con Martin Omar Saade) – Chacarera cordobesa – Cosco inna - De Areco pa Don Segundo – El mal llevao (con Rubén

Santamaría) – Gallo calavera – La Bramadora (con Carlos Di Fulvio) – La federala (con Juan Zaraik Goulu) – La Pancho Ramírez (con Pablo Corradi) – La zamba del hombre solo – Mi tropilla gateada (con Mauricio Di Fulvio) – Mis changuitos así son – No te mueras nunca – Paisano – Porque siempre he sido pobre – Si por las dudas – Soy yanacona (con Martin O. Saade) – Suerte de poco – Trenzando parejo – Yo soy de aquel pago pobre – Zamba de la espiga – Zambita para mi ausencia, entre otras. 

Francisco Canaro 

Nombre real: Canaro, Francisco
Seudónimo/s: Pirincho
Violinista, director y compositor
(26 noviembre 1888 - 14 diciembre 1964)
Lugar de nacimiento:
San José de Mayo (San José) Uruguay

 
Uruguayo de la ciudad de San José de Mayo, la suya es una historia densa, desbordante de situaciones, preñada de anécdotas, algunas de las cuales asumieron categoría de mitos. Niño nacido en la mayor pobreza, que no tuvo estudios, su única opción fue el trabajo. Cuando con su certero instinto encontró el camino de la música, logró lo que se propuso: éxito y fortuna. Los egoísmos y las mezquindades que como todo ser humano pudo haber abrigado pasaron a segundo plano. Su labor y sus ideas fueron ejemplos a seguir. Y fue el aglutinante de sus compañeros, pues desde 1918 luchó por los derechos autorales, no reconocidos en esos tiempos, hasta culminar en la creación de la actual SADAIC (Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música), fundada en 1935 y cuyo edificio fue erigido en terrenos adquiridos por Canaro.
Sus comienzos se confunden con los de la historia del tango. Tanto que un programa radial de mediados de los 50 acuñó una frase comodín para referirse a cualquier hecho muy antiguo: «De cuando Canaro ya tenía orquesta». Su fortuna dio pábulo, además, a un dicho popular: «Tiene más plata que Canaro», con el que se aludía a la opulencia de alguien. Se cuenta que estando Canaro con Gardel en el hipódromo, éste le pidió quinientos pesos (una suma entonces enorme) para apostar, pero advirtiéndole que se olvidara de la deuda: «Yo soy pobre, y vos tenés toda la guita (dinero) del país». Es que al lado de Canaro, hasta Gardel era pobre.
Canaro fue Pirincho desde el alumbramiento mismo. La partera, al tomarlo en sus manos, exclamó al verle tanto pelo y un mechón enhiesto: «¡Parece un pirincho!», aludiendo a un pájaro encrestado, común en el Río de la Plata. La familia llegó pronto a Buenos Aires, donde vivieron en casas de inquilinato (llamadas conventillos), en condiciones de extrema pobreza. Antes de cumplir los diez años ya voceaba diarios por la calle. Luego fue pintor de brocha gorda, y se empleó incluso en las obras del Congreso de la Nación.
La música lo atraía. Su primer logro con ella fueron unos tonos que pudo arrancarle a una guitarra gracias a las enseñanzas de un vecino zapatero. Pero lo cautivaba el violín. A falta de dinero para adquirir uno, improvisó su Stradivarius con una lata de aceite y un mango de madera. «El primer tango que saqué de memoria fue “El llorón”, de autor anónimo —recordaría muchos años después—. El estuche me lo fabricó mi vieja; en realidad una funda de género, y ya salí a ganar algo de plata en bailes de la vecindad».
Pero su debut oficial ocurrió en Ranchos, un pueblo perdido, a cien kilómetros de Buenos Aires. Se presentó allí con un trío, cuya actuación en aquel paraje duró poco, y por dos razones. Una fue que el palquito que sustentaba a los artistas tuvo que ser reforzado con chapas de hierro para guarecerlos de los balazos que solía intercambiar la clientela. La otra, que Canaro gustaba de las señoritas del local, atracción de la cual quiso disuadirlo el dueño del establecimiento, refiriéndole que el encargado de las muchachas tenía varias muertes en su

haber.
De regreso a casa conoció a un nuevo vecino, el bandoneonista Vicente Greco —el mismo que poco tiempo después impusiera la denominación de Orquesta Típica a los conjuntos tangueros—. Canaro reconocería tiempo después lo que influyeron en él los conocimientos de Greco. Corriendo el 1908, ya estaba decidido que el camino de Canaro estaría en el tango. Actúa por entonces en los cafés concert que abundaban en el barrio de la Boca y su nombre comienza a ser reconocido. Luego se une a su amigo Greco y en diversas giras van encontrando la prosperidad que anhelaban.
En 1912, comenzó Canaro su trascendental labor de compositor con los tangos “Pinta brava [b]” y “Matasanos” (sarcasmo por médico). A lo largo de su vida acumuló tal número de obras que hasta hoy se discute cuántas realmente nacieron de su inspiración, y de cuántas se apropió a cambio de favores o dinero. Pero como sostuvo el estudioso del tema Bruno Cespi, «con que Canaro haya compuesto sólo el cinco por ciento de todos los temas que firmó bastaría para considerarlo un grande».
“Matasanos” lo escribió a pedido de los estudiantes de medicina a punto de recibirse, que en el día de la primavera organizaban los llamados Bailes del Internado. Fue en uno de ellos cuando, contratado para presentarse con su conjunto, formado al efecto, por primera vez empuñó la batuta. Su orquesta fue la primera en ingresar en residencias aristocráticas, donde el tango era resistido.
Musicalmente sus conjuntos no cultivaron un estilo definido. Canaro prefirió adaptarse a cada momento, encontrando siempre la manera de conservar su espacio sin entrar en competencia con otros astros del género. Sobre el abultado número de sus grabaciones no hay estimaciones coincidentes: las cifras varían entre 3500 y 7000.
En 1924, concibió la ocurrencia de incorporar un cantor a la orquesta, aunque sólo para entonar el estribillo, breve tema central de cada tango. Dio así inicio a la era de los estribillistas o chansonniers, el primero de los cuales fue Roberto Díaz. Varios años antes, Canaro había sido también pionero en la incorporación del contrabajo a la orquesta de tango, eligiendo para ese menester al morocho Leopoldo Thompson. En 1921, para animar los carnavales en el ya desaparecido Teatro Opera, de Buenos Aires, formó una orquesta de 32 músicos, masa orquestal desconocida por el tango hasta ese momento.
En 1925, marchó a París, donde el tango hacía furor. Ya estaban allí, entre otros, Manuel Pizarro y sus hermanos, cada uno con una diferente orquesta , Pizarro, y Canaro hizo lo propio con sus hermanos. Había llevado consigo a sus estribillistas Agustín Irusta y Roberto Fugazot, dúo al que unió con el pianista Lucio Demare. El resultante trío triunfaría en España y otros países de Europa por más de diez años. También, presentó en París una cancionista, Teresita Asprella, ya residente en Francia, y cuando viajó a Estados Unidos convocó a Linda Thelma.
Cuando regresó al país tras dos años de ausencia, buenas orquestas concitaban la preferencia del público. Sagazmente, Canaro emprendió una extensa gira por el interior del país para hacerse conocer en todos los rincones. Luego, a medida que la radiofonía cobraba auge, la utilizó a fondo, hasta convertirse en la mayor estrella del éter. Aunque otros músicos habían evolucionado y desarrollado estilos personales, el apellido Canaro era conocido por todos.
El teatro musical no fue su creación, pero todas las revistas que produjo fueron exitosas. Se valía de mínimos argumentos como pretexto para presentar sus números musicales. Sus cantores eran galanes, y a algunos tangos los modificaba para convertirlos en sinfónicos, utilizándolos como oberturas o intermezzi, ejecutados por la orquesta desde el foso. Exhumaba antiguos tangos, rebautizándolos, y les volvía a cambiar el nombre si se les agregaba letra. Así, su tango sinfónico “Pájaro azul” provenía de su anterior “Nueve puntos”; “Halcón negro”, de 1932, era previamente “La llamada”, y ya con letra pasó a ser “Rosa de amor”. Trató asimismo de imponer un nuevo ritmo, el tangón, que no resultó. También intentó con el milongón.
Su único fracaso se lo propinó el cine. Fundó la productora Río de la Plata, pero ninguna de las películas de ese sello le dio ganancias, y más tarde le costó desprenderse de la empresa.
Algunas de sus composiciones exitosas fueron “El chamuyo”, “El pollito”, “Charamusca”, “Mano brava [b]”, “Nobleza de arrabal [Caruso]”, “La tablada”, “Destellos”, “El opio”, “Sentimiento gaucho”, “La última copa”, “Madreselva”, “Déjame no quiero verte más”, “Envidia”, “Se dice de mí”, “La brisa”, “Madreselva” (anteriormente “La polla”) y “El Tigre Millán”.
En 1956, publicó sus memorias, tituladas Mis 50 años con el tango, abundantes en adjetivaciones. Un extraño mal, la enfermedad de Paget, lo condujo a la muerte, el 14 de noviembre de 1964. Su fortuna fue repartida en partes iguales entre su esposa legal, La Francesa, por un lado, y las hijas nacidas de sus amores con una muchacha del coro de una de sus revistas, por el otro.

 

 

 

 

Julio Sosa 

Nombre real: Sosa Venturini, Julio María
Seudónimo/s: El Varón del Tango
Cantor y poeta
(2 febrero 1926 - 26 noviembre 1964)
Lugar de nacimiento:
Las Piedras (Canelones) Uruguay 

Nació en el seno de una familia humilde, hijo de Luciano Sosa , peón de campo, y Ana María Venturini, lavandera. En su juventud, a causa de la pobreza, ejerció varios empleos (popularmente conocidos como "changas").​ En 1942 se casó, con tan sólo 16 años, con Aída Acosta, de quien se separó tres años más tarde, en 1945.
Sus comienzos profesionales fueron como vocalista en la orquesta de Carlos Gilardoni en la ciudad de La Paz. Se fue a Buenos Aires en 1949. Llegó a triunfar en el Río de la Plata, siendo considerado uno de los cantores de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX.
Durante sus 15 años de trayectoria en Argentina, Sosa fue cantor de tres orquestas. La primera, Francini-Pontier (1949-1953), con la que realizó 15 grabaciones en RCA Victor, entre ellas Por seguidora y por fiel, Dicen que dicen, Viejo smoking y El hijo triste (única grabación a dúo de su discografía, junto a Alberto Podestá); la segunda, la de Francisco Rotundo (1953-1955), con el que grabó 12 temas en el sello Pampa, entre ellos Justo el 31, Mala suerte, Secreto, Yo soy aquel muchacho y Bien bohemio; y la tercera, la de Armando Pontier (1955-1960), ya desvinculado de Francini. En esta etapa Sosa grabó en total 33 registros, 8 de ellos para RCA Victor (1955-1957) y los 23 restantes en el sello CBS Columbia (1957-1960). Algunos temas destacados son: Tiempos viejos, Araca París, Cambalache, Al mundo le falta un tornillo, Padrino pelao, Tengo miedo, Margo, El rosal de los cerros, Brindis de sangre y Azabache. A comienzos de 1960, desvinculado de la orquesta de Armando Pontier y

decidido a encarar la etapa solista, convoca al bandoneonista Leopoldo Federico como marco instrumental para sus interpretaciones. Con la orquesta de Federico comienza un ciclo de destacadas grabaciones, confirmando su gran éxito y aceptación del público. Versiones de los tangos Nada, Qué falta que me hacés, En esta tarde gris y su recitado de La cumparsita sobre versos del poeta Celedonio Flores (grabado en dos ocasiones: 1961 y 1964) son algunos de los grandes sucesos de este período. En 1962 acompañado por el conjunto de guitarras dirigido por Héctor Arbelo en 1962 grabó para la discográfica Columbia doce piezas de música criolla.Con la orquesta de Leopoldo Federico permanecerá hasta su muerte.
La única película en la que participó fue Buenas noches, Buenos Aires, un filme musical dirigido en 1964 por Hugo del Carril. Fue bautizado por el periodista Ricardo Gaspari como «El Varón del Tango», llamándose así también su primer disco de larga duración. Leopoldo Federico hizo que el cantor se volviera famoso a través de sus composiciones. En 1958 se casó con Nora Edith Ulfeldt, con quien tuvo una hija, Ana María, divorciándose poco después y poniéndose en pareja con Susana "Beba" Merighi. En el año 1960 escribió su único libro, Dos horas antes del alba
Camino de Villa del Parque, chocó a considerable velocidad contra el semáforo de Avenida Figueroa Alcorta y Mariscal Castilla (ciudad de Buenos Aires, Argentina) el 26 de noviembre de 1964.El auto pasó sobre el monolito que resguardaba el semáforo (que quedó quebrado) y paró contra el Arzobispado Ortodoxo, 50 metros más allá.
Fue internado en el hospital Fernández y trasladado al sanatorio Anchorena, a las 7 AM. Tenía hundimiento de 4 costillas, lesión grave en el pulmón izquierdo y conmoción cerebral. Por la tarde lo operaron dos veces para liberar un pulmón de la presión de dos costillas, pero murió a las 21.30 del 26. Su esposa, Susana Merighi, afirmó tiempo después que el coche de su marido había sido embestido por otro vehículo antes de chocar con el semáforo, dicha declaración tuvo como base un peritaje mecánico y dio lugar a un nuevo sumario caratulado como "Homicidio Culposo". El sepelio se realizó primero en el Salón La Argentina, pero la cantidad de público, hizo que se lo trasladara al Luna Park, de donde el cortejo partió a las 16 del 27 a pie por Avenida Corrientes para llegar a Chacarita a las 22.10 bajo una lluvia torrencial. Los efectivos policiales tuvieron que impedir la entrada del tumultuoso público a quien arrojaron bombas de gases. Ya cerrado, tuvieron que enterrarlo en la mañana del 28. Hoy sus restos están en el Cementerio de Las Piedras, Canelones, Uruguay.

26 de Noviembre


Día del Humorista

 
Se sanciona según Boletín Oficial que a partir del año 2015 se conmemora como Día del Humorista el 26 de noviembre, en homenaje a Roberto Fontanarrosa, debido a tratarse del día de su natalicio.
La intención fue impulsada desde abril de 2014, y se terminó de aprobar en el Congreso a fines de ese mismo año. El reconocido y notable escritor Rosarino, autor de varios libros y flamantes personajes como Boogie El Aceitoso e Inodoro Pereyra y su perro Mendieta, desaparecido un 19 de julio de 2007 a los 62 años de edad, tendrá otro reconocimiento más todos los 26 de noviembre, para que ese día se recuerde la brillante genialidad que nuestro querido Fontanarrosa nos legó.

 

 

Día del Químico

 
El 26 de noviembre del año 1901 egresa Enrique Herrero Ducloux, primer Doctor en Química del país, estableciéndose por ello, años después, esa fecha como Día del Químico en la República Argentina, el mismo ocupó la presidencia del Consejo Profesional de Química en el primer período de vida de la institución.

25 de Noviembre 

 

 
Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer

 
Porque este flajelo no conoce fronteras, ni la que tienen los países ni las domésticas, porque ataca y no es solo físicamente sino también es violencia hacia la mente, hacia la discriminación al sexo femenino y las desigualdades, por todo esto es que el 17 de diciembre de 1999 en asamblea general, en las Naciones Unidas se aprobó y decretó la resolución número 54/134 que dicta e insta a celebrar todos los 25 de noviembre como el Día de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer.
La iniciativa fue impulsada por los representantes en la ONU de la República Dominicana, apoyada por 80 países más, y se eligió esta fecha por tratarse del día 25 de noviembre pero del año 1960 la jornada en que fueron asesinadas las hermanas Mirabal, tres mujeres activistas políticias, Patria Mirabal, Minerva Mirabal y María Teresa Mirabal, que se enfrentaron por esos años a la dictadura de Rafael Trujillo en aquella República Dominicana que se encontraba bajo este régimen desde comienzos de la década de 1930, y "Las Mirabal" como se las llamaba, fueron atrozmente asesinadas.
Nos sumamos desde aquí a la lucha, que todavía resta muchísimo por hacer, que es la lucha en la búsqueda de la erradicación total y completa de la discriminación, violencia y desigualdad para con la Mujer, en todo ámbito y en cada rincón del planeta, y aprovechamos así también desde acá a unirnos para celebrar la vida, la igualdad y la no violencia, junto a la notable campaña realizada en el año 2015 de #NiUnaMenos en la República Argentina, celebrada por primera vez el 3 de Junio de 2015 y que se alzó en contra de la creciente ola de violencia contra la mujer, femicidios, todos juntos en un mismo grito que pide frenar con esta desgracia que mantiene envenenada a la sociedad.

 

 
Día de la Marina Mercante

 
Se conmemora en esta jornada el Día de la Marina Mercante, celebrando así también el día precisamente del Marino Mercante, tomando esta fecha puntualmente por ser el día de la creación de la Escuela Nacional de Náutica, fundada el 25 de noviembre de 1799, por quien por entonces ocupaba el cargo de secretario de Industria y Comercio del Consulado Real Santa María de los Buenos Aires, Manuel Belgrano, quien venía bregando por conformar esta casa de estudios desde hacía más de cuatro años, impulsando sus ideas basándose en la necesidad de contar con una flota propia, de carácter mercantil, y así expandir los conocimientos de la ciencia náutica.
Sus primeros directivos fueron el ingeniero militar y docente nacido en España, precisamente Galicia, Pedro Antonio Cervino, como presidente y sería secundado por el piloto mercante también español y gallego, Juan Alsina, ocupando el cargo de vicepresidente.

 

 
Día de la Hotelería y Gastronomía Argentina

 
Se estableció así celebrar este día con motivo de haberse fundado allá por el año 1941, la FAHRCA, es decir la Federación Argentina de Hoteles, Restaurantes, Confiterías y Anexos, que luego años más tarde pasaría a ser como lo es en la actualidad, la Federación Empresaria Hotelera Gastronómica de la República Argentina, con sus siglas FEHGRA.
Hoy en día en números la federación se encuentra organizada en más de 60 filiales, nucleando y generando una inmensa cantidad de puestos de trabajo que asciende a medio millón de personas que se desarrollan en la actividad hotelera y la gastronómica, así como también tiene alcance a los trabajadores del turismo, conteniendo bajo su órbita unos 15 mil establecimientos entre hoteleros y turísticos, sumado a unos 35 mil locales gastronómicos entre restaurantes, cafés, bares y locales de distintas denominaciones pero afines a la actividad.